La compagnie Baro d’evel présente « LÀ », un spectacle pour deux humains et un corbeau-pie aux Bouffes du Nord. Depuis 20 ans, ils proposent des spectacles de cirque au croisement du mouvement, du chant, de la rencontre entre humains et animaux, en quête de beauté. Une émission enregistrée in situ au théâtre des Bouffes du Nord (Paris), avec la compagnie franco-catalane Baro d’evel, la veille de la première de leur pièce Là. (Février 2022).

Source: “Tous en Scène” (France Culture), 19 février 2022.

Ils inventent, et dans la vie et sur scène, des mondes possibles, où communiquent les humains et les animaux, où le rire crée un terrain commun.
Il y a un couple qui cherche équilibre, qui se demande « qu’est-ce qu’on cherche exactement ? ».
Que cherche-t-il sinon ce que l’on nomme, faute de mieux, la beauté ?

Extraits de l’entretien

[…]

— Aurélie Charon : Et Camille de Courtille, vous commenciez par faire exister la voix de Gus, tout à l’heure. Et là, vous parlez de ce monde, avec des animaux, des êtres humains, enfin, déjà un mélange de présence dans l’enfance, qui était différent. Est-ce que ça veut dire que, dès l’enfance, il y avait aussi des modes de communication qui étaient divers, qu’il n’y avait pas que les mots pour partager les choses, parce qu’il n’y avait pas que des humains ? Et est-ce que ça, c’était déjà présent ?

— Camille Decourtye : Ouais, c’était plus que présent, c’était déjà l’évidence de ça en fait. C’était l’évidence d’autres réalités, qui sont des mondes avec des pensées de l’espace, des ressentis différents, des captations de l’instant différent ; et en même temps, avec un lien, c’est-à-dire c’était un rapport aussi d’éducation, de partage du quotidien avec les animaux. Donc, forcément, c’est une espèce d’équilibre du lien les uns aux autres, qui doit se trouver, où tout le monde s’y retrouve. Donc ça, oui, j’ai grandi là-dedans. Et de l’animal thérapeute aussi : beaucoup de gens venaient à la maison par rapport à ça. Mais aussi, on était capable de faire des compétitions. … C’était déjà quelque chose qui débordait un peu : tout ce que peut amener le travail avec les chevaux, le travail avec les enfants.

— Blaï Mateu Trias : Moi, ce que je ressens c’est aussi une sorte d’observation : une relation avec les animaux que donne sa famille. Ils sont souvent en train de parler de comment vont les animaux, qu’aujourd’hui, il m’a dit ceci ; il m’a dit cela… Du coup, il y a une sorte de langage qui est évident, et qui pour d’autres peut nous paraître presque invisible. C’est vrai que c’est une évidence : dans l’observation, je trouve, dans le dialogue, mais aussi dans le fait d’y comprendre, d’y voir des réactions et de les analyser : y’a quelque chose d’être à l’écoute, quoi.

[…]

— Barbara Métais-Chastanier : Cette rencontre entre ce qui serait une recherche artistique et un art de vivre, je l’entends beaucoup en écoutant Camille et Blaï qui échangent avec vous. C’est à la fois un langage qui artistiquement, parvient à raconter ce que ça pourrait être rencontrer le monde du point de vue de la fragilité et du point de vue de la tendresse, et ce n’est pas une position théorique, c’est vraiment ce qui vient nourrir un processus, un geste artistique et une manière de penser le déploiement de Mondes qui sont en train de se faire. Et donc, c’est vrai que ces mots-là, ils sont arrivés tôt parce qu’ils permettent aussi, je crois, de replacer la beauté à sa place. C’est-à-dire que ce n’est pas une beauté qui est loin, qui est devant, qui est esthétisante dans le mauvais sens du terme, mais c’est une beauté qui est chaude, en fait, qui est ce qui accompagne, qui oriente un mouvement de vie. Et dans un contexte comme celui qu’on vit, comme celui dont parle aussi Camille et Blaï et en parlant de Clowns sans frontières, en parlant de ces contextes-là, qui sont des contextes qui se sont quand même sacrément accentués, au fil du temps, avec, en plus, les épisodes qu’on a connus, la de la crise sanitaire ; c’est vrai que dans un monde qui devient dur, qui se tend, qui devient violent, prendre le parti de la douceur, à la fois dans la vie qu’on tente d’avoir intimement et collectivement, mais aussi dans la tentative qu’on peut avoir de fabriquer un art qui essaie de s’en rapprocher. C’était un peu comme le chaudron, finalement, premier.

— Aurélie Charon : Je vous fais écouter juste une phrase de Cocteau, parce que ça parle de la beauté. C’est très court : «  Ce qu’on nomme beauté n’est autre qu’un accident inattendu, une vitesse pétrifiée, une chute statufiée entre ce qui était et ce qui sera. Cette chute excite le rire des foules, comme si une vieille dame tombe dans la rue, selon la loi de pantinisation ou de dépantinisation, où se rencontrent et se contredisent Bergson, avec ses successeurs. »
Barbara Métais-Chastanier, il parle de l’inattendu et c’est un mot aussi que vous employez pour quand vous entrez dans un spectacle de Baro d’evel. C’est quoi cet inattendu-là qui vous capte quand vous voyez un spectacle ?

— Barbara Métais-Chastanier : Je pense que c’est un inattendu qui se rencontre à plusieurs niveaux. Il y avait l’inattendu qui était lié à au monde du théâtre dont moi je venais, qui crée un déplacement. Et puis après il y a tout ce dont parle Camille et Blaï, qui a vraiment à voir aussi avec un processus artistique qui est intimement nourri par l’art du clown. Qui est aussi un art de l’inattendu, une manière de faire fructifier l’accident, de créer des conditions pour qu’il apparaisse, et puis une façon de savoir l’accueillir pour ensuite trouver une écriture au milieu de tout ça. Donc moi, ça m’évoque ça, en tout cas en l’écoutant.

— Aurélie Charon : Camille Decourtye, le spectacle qui, est aux Bouffes du nord, c’est le premier d’un diptyque qui s’appelle « Là » celui-là, et vous parlez des pièces comme des petites cérémonies pour être ensemble. Comment ça commence un spectacle ? Est-ce que c’est des présences, est-ce que vous savez qu’il y a justement Gus le corbeau et deux êtres humains, et est-ce que ça suffit à commencer ?

— Camille Decourtye : Ouais, voilà, c’était savoir qu’il y aurait Gus, et nous deux, c’était déjà suffisant pour savoir qu’il y avait quelque chose à explorer. Et après, c’est vraiment, on assume, je crois, profondément, d’être au plus proche de nos nécessités, où on en est, nous, dans la vie, avec ce qu’on besoin d’explorer. On est avec le monde et à quel endroit on fait confiance au processus ou à quel endroit ce qui se passe autour de nous va faire écho. Quelque chose de très intime va faire écho avec ce qui concerne un peu tout le monde. Là, le diptyque, on s’est rencontré avec Barbara autour de cette question, de se rendre compte, en fait, qu’on était quand même en train de faire des spectacles, la plupart du temps pour des des personnes qui font partie d’une classe moyenne. Qui sont ceux qui s’en tirent pas trop mal de la société. Tout le monde est maintenant complètement averti et conscient des injustices et des aberrations qui nous entourent. On fait des spectacles pour ce type de gens, parce qu’on a encore beaucoup de mal à renouveler ce public. En tout cas le diversifier a le mixer. Et donc, à un moment donné, ça a été très fondateur avec Barbara de se dire : mais comment c’est possible de continuer de créer, en sachant ça ? Qui est ce qu’on doit regarder en face, en fait, entre le fait qu’on doit continuer de créer. Parce que pour lutter contre l’entropie, il faut créer, et en même temps, comment ne pas être aveugle de ce qui se passe ? Et donc la question de l’inattendue, la question de la douceur, c’est : qu’est-ce que c’est que prendre soin de soi ? Et à travers cette démarche-là, c’est-à-dire comme on allez trouver ce qui doit jaillir de nous en termes de poésie. Comment ça, c’est quelque chose qui est fondamental et qui a à voir avec chaque être humain, en fait. Et donc, oui, nous n’avions pas besoin de plus de savoir plus que là où on en était, Blaï et moi, et la vie avec Gus. Il y avait quelque chose à faire de ça. Après, il y a plein d’autres raisons qui sont plus pragmatiques. On vient de faire une tournée de chapiteau de quatre ans/ cinq ans. On a Besoin de se recentrer tous les deux, reprendre des risques, il y a toujours cette question de reprendre des risques après une pièce. Par où elle va se passer. On était un chapiteau dans du circulaire, là on se dit que plastiquement on envie de reprendre des recherches, qu’on aille plus loin dans la recherche plastique. Et on sait que le frontal va lui permettre. En même temps, on veut garder cette énergie de troupe avec « Bestias ». Donc, on sait que, du coup, il faut qu’on les incorpore à cette aventure-là, donc, on part sur l’idée du diptyque, parce que c’est comme ça, notre troupe, elle va pouvoir rentrer dans ses chaussons de cette nouvelle recherche. Et donc, on se donne ce défi de faire deux spectacles en un an et demi, qui sont « Là » et « Falaise » dans cette acceptation, dans cette nécessité à dire ce monde qui s’écroule. Et en même temps, sur « Là », c’est autre chose, c’est plus regarder en face la question aussi beaucoup de l’alter ego et du chemin à deux, c’est-à-dire s’aimer et prendre soin de l’autre. Ce n’est pas du tout un chemin linéaire, c’est quelque chose avec beaucoup aussi de moments de douleur, de difficulté. Qu’est-ce que c’est qu’exister ? Qu’est-ce que c’est que laisser la place ? Ou se calmer de la question de « sa place ». Et donc sur ces questions-là, souvent les questionnements des spectacles, se réduisent à des questionnements philosophiques assez simples, mais en fait y sont vraiment des espèces de lignes de fond des pièces.

[…]

— Aurélie Charon : C’est quoi comme partenaire de jeu, ce corbeau ? Ça fait longtemps que vous travaillez avec des animaux, mais dans « Là », comment vous définiriez la place de Gus et sa présence ?

— Blaï Mateu Trias : Oui, c’est vrai que je ne réalise pas le fait de travailler avec les animaux, parce que là, pour le coup on travail avec Gus, et c’est vraiment pour nous des partenaires, comme peut l’être Camille : il a ses rythmiques, il a ses obsessions, il a ses endroits et puis ses humeurs. Donc c’est finalement un partenaire, mais qui est tous les jours un peu différent. C’est un peu comme travailler avec des enfants, je pense. Il y a quelque chose où tu ne maîtrises pas exactement où il va être, mais tu peux juste essayer de le connaître de plus en plus. Et puis prendre plaisir à partager ça. C’est vrai que moi, quand je suis sur scène avec Gus, il y a quelque chose beaucoup sur le rythme, la réaction rythmique, le tempo qui est proche effectivement du clown. Moi, je réagis par rapport à ce qu’il me propose et lui aussi : si je me déplace ou pas, ça lui donne envie de venir ou pas. C’est un jeu assez simple, assez basique, mais c’est justement donner confiance à se confronter à ça. C’est vrai que moi, je n’ai pas l’analyse qu’arrive à avoir Camille de savoir exactement ce qu’il est en train de dire quand il se déplace à gauche ou à droite, parce que je n’ai pas son observation. Mais en même temps, ça me permet d’avoir un jeu avec Gus qui est beaucoup plus franc ou, en tout cas, beaucoup plus de « toi à toi ».

— Camille Decourtye : Très d’égal à égal.

— Blaï Mateu Trias : oui, comme si c’était quelqu’un qui ne parle pas la même langue, mais que tu essayes de comprendre, il y a quelque chose comme ça, et du coup, l’absurde arrive assez vite, parce que moi, je crois qu’il dit et en fait il ne dit pas du tout ça. Il y a quelque chose qui marche dans ce va-et-vient, que l’on ne parle pas tout à fait la même langue quoi.

— Aurélie Charon : Et en quoi vous, Camille Decourtye, c’est différent de Blaï cette relation et cette écoute avec Gus ?

— Camille Decourtye : Pour Blaï, il y a quelque chose de ludique qui rebondit sur les incompréhensions, et puis ils ont rendez-vous l’un avec l’autre, dans ces endroits un peu ludiques entre eux. Et moi, on va dire que je suis un peu « la maison-mère » pour Gus. Donc C’est un autre type de relation. Parce que voilà, Gus, je m’en occupe depuis qu’il est tout petit. Je sais qu’on son centre et le mien sont connectés très, très vite. Donc, on va bouger différemment. On va pouvoir faire une seule bulle tous les deux. On est plus dans quelque chose de l’ordre où l’on arrive à inventer un monde qui n’est ni le sien ni le mien, mais que nous avons tous les deux. Blaï et Gus sont là en train d’essayer de se comprendre l’un et l’autre. Et puis il y a une frontière et puis chacun dépasse ou pas en gros. Donc, ce n’est pas les mêmes endroits de dialogue. Mais qui sont liés comme on a avec n’importe qui d’autre. C’est la question de l’autre, c’est l’alter ego, c’est à chaque fois j’en reviens là. Ce que J’aime beaucoup c’est cette question de l’inattendu, cette question du « peut-être ». On le sait qu’on n’a jamais tout compris quand on est à côté d’un animal et ce qui est le grand piège des humains, c’est qu’ils ne pensent pas la même chose quand ils sont à côté d’un humain. Alors que c’est pareil, voire pire. Donc c’est oublier le « peut-être », oublier l’endroit, le mystère qui doit rester tolérer.

— Barbara Métais–Chastanier : Ce qu’il y a de singulier, c’est que se sont des animaux avec lesquels vous vivez. Ce n’est pas des animaux qui sont engagés pour un spectacle avec une idée préconçue, qui apparaîtrait comme une idée dramaturgique : « ha, ça serait formidable d’avoir un corbeau sur scène ». C’est d’abord des complices de la vie de tous les jours et finalement le monde qui se raconte c’est le monde dont ils sont, ce n’est pas l’envie de créer un monde spécifique pour les faire apparaître au milieu de tout ça.

[…]

— Blaï Mateu Trias : Et oui, c’est quelque chose qui m’anime, je prends plus de plaisir aujourd’hui à aller regarder de la peinture que d’aller voir des spectacles.

— Camille Decourtye : Il y avait aussi le fait d’avoir fait cette recherche, de vouloir que dans la pièce, on cherche à faire des œuvres vivantes dans le sens que le tableau se fasse, que ça fasse trace. Qu’est-ce que c’est que comme faire trace ? Et puis aussi, c’était un moment où l’on cherchait, il fallait monter des projets, les expliquer et trouver du soutien. Et puis, chaque fois, on ne comprenait pas pourquoi nous ramenait à des choses assez scolaires : « Mais quel est votre message?  Mais que voulez-vous dire ? » Et puis au bout d’un moment, à lire les entretiens avec des peintres, on s’est dit : mais en fait, nous on veut faire de la peinture. C’est-à-dire qu’il y a un prolongement : se connecter à quelque chose du plus grand que nous en nous pour essayer de trouver à quel endroit ça va prendre trace, ça va faire geste, y’a de l’image qui passe par nous et qui est qui ressort. Et comment le plateau de théâtre, le chapiteau, doit être aussi un espace de transformation. C’est aussi l’obsession de la transformation. Nous sommes des êtres de transformation en permanence. On pense toujours qu’on s’arrêtera là, puis, en fait, ça ne fait que… la personne qu’on sera demain n’est pas la même finalement, à un certain endroit ; et alors qu’il y a quelque chose qui ne bougera jamais en nous. Et cette espèce de de communication impossible entre ces deux choses-là de la vie. Elle nous passionne en fait, je crois. Et après, Blaï est complètement passionné à l’idée de mettre les mains dans la matière, faire trace. Là maintenant, tu t’es mis à la céramique, il tourne. Là, maintenant c’est la terre, l’argile.

— Blaï Mateu Trias : ce n’est pas juste une pièce, c’est une sorte de choses qui poussent un peu les frontières, qui sort du plateau, qui va un peu partout, et ça, ça nous ramène un peu à notre essence, au nomadisme, une espèce d’art total, quelque chose comme ça, qui est généreuse. Et donc, c’est à travers la matière, finalement, qu’on arrive à garder cet esprit qui était plus circassien à la base, et qui, maintenant, on s’en fout ce que c’est, mais qui porte cette générosité, quoi.

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— Camille Decourtye : À un moment donné, c’est le spectacle qui décide vraiment, c’est l’œuvre qui va décider : il ne s’agit plus de toi. Et j’adore ça. C’est là où on peut assumer d’avoir cette posture : d’artiste. il ne s’agit pas de nous fait : quelque chose qui doit être au service, qui doit arriver. Et c’est assez passionnant ça, ce truc-là.

[…]

— Aurélie Charon : vous parliez tout à l’heure de l’intrication entre la vie et l’art et le travail et la création, et c’est assez beau comme vous décrivez parfois aussi comment trouver un rythme collectif. Comment des rituels aussi nous mettent ensemble… Il y a par exemple « Les Petits Pas ». C’est quoi ça ? Qu’est-ce que, par exemple, ça permet ?

— Camille Decourtye : le fait d’avoir une évidence de la pratique du corps, du besoin de se chauffer ensemble, il y a quelque chose qui calme un peu les esprits et qui se met ensemble sur de la pulsation, sur du rythme. Alors en ce moment, on suit Blaï. On suit ses mouvements et on s’accroche derrière toi…

— Blaï Mateu Trias : mais c’est surtout un rapport au rythme quoi. Le fait de « taper ». C’est vrai que nous pendant des années, on avait le fait de faire des saltos, de faire de l’acrobatie, c’était ce qui nous mettait ensemble : s’attraper, se jeter en l’air ensemble, c’était la chose qui faisait prendre du sens. C’est vrai qu’aujourd’hui, c’est plus le rythme, c’est plus le chant. Le mouvement ces sortes de danses, de transes. Des endroits pour se défouler, et en même temps, on se sent ensemble, on sent qu’on tape « la pierre ». Pour nous « les petits pas » c’est des pas rythmiques, des sortes de petits schémas, comme ça rythmique, qu’on pratique ensemble tous les jours et que, du coup, on se sent, on voit où l’on en est les uns les autres en faisant cette pratique.

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